PROYECTO: "METAMORFOSIS"

 A lo largo de la performance “Metamorfosis” hemos querido recrear la evolución del papel de la mujer en nuestra sociedad.

            Al comienzo se presenta a una mujer sin identidad y sometida bajo el yugo de un hombre que la domina de acuerdo con la sociedad machista que predominó en nuestra sociedad. La mujer no tiene voluntad, no puede opinar ni actuar sin recibir el beneplácito del hombre, lo que conlleva a una pérdida absoluta del valor como persona de la mujer. Es por ello que la presentamos cubierta de negro, un color cuyas connotaciones negativas representan la ausencia de valor que la mujer tenía en la sociedad descrita. Del mismo modo las cuerdas que la mantienen atada representan el dominio que tiene el hombre sobre ella, puesto que la maneja como si de una marioneta se tratara.

            A continuación comienza la lucha de la mujer por liberarse de esa opresión, comienzan los movimientos de liberación de la mujer. Tras una dura lucha por reclamar sus derechos conseguirá al fin sentirse libre y poder prescindir de la figura masculina mostrándose ahora en todo su esplendor, tal y como es. Representado queda en la lucha real por deshacerse de las cuerdas que la mantienen inmóvil y en el acto de despojarse de la vestimenta de color negro. Debajo de ella aparecerá con ropajes blancos que representan para nosotros la pureza y la libertad.

            El regocijo que siente la mujer tras haber llegado a lograr todo lo que siempre había soñado ha de reflejarse, en este caso con un baile de liberación y alegría. Pero este regocijo no durará mucho. La mujer comienza a sentirse avergonzada de sí misma, ya no le gusta mostrarse tal y como es porque se siente débil y necesita de un disfraz para sentirse segura y poderosa.

            La sociedad del culto al cuerpo y de la artificiosidad llega a la vida de la mujer y de una manera muy contundente. Necesita cubrir su cuerpo con ropajes que la escondan y cubrir su rostro con capas de maquillaje para crear de esta manera un personaje tras el que esconderse y sentirse superior al hombre. Tanto es así que en la sociedad actual se recurre a la estética e incluso a cirugía para cambiar el cuerpo por completo: extensiones para el pelo, uñas postizas, zapatos con tacones vertiginosos, vestimentas cada vez más extravagantes, implantes por todo el cuerpo, lentillas que cambian el color de los ojos, dentaduras perfectas, e incluso reconstrucciones de cualquier parte de la anatomía.

            Así se presenta nuestro personaje femenino, con una vestimenta y un maquillaje absurdos y exagerados representando la farsa que recrea la mujer cada mañana antes de salir a la calle. El color negro vuelve a aparecer porque igual que al comienzo la mujer se encontraba bajo el yugo de un hombre machista, ahora se encuentra bajo el yugo que ella misma se ha impuesto.

            Y solo nos queda pensar ¿por qué ha luchado tanto la mujer para librarse de las ataduras que no la dejaban ser tal y como era, si ahora se mantiene atada por su propia voluntad bajo una apariencia irreal que tampoco la muestra tal y como es?

WEBGRAFÍA

http://en.wikipedia.org/wiki/Performance_art

http://infouniversidades.siu.edu.ar/noticia.php?titulo=performance,_nuevas_tendencias_de_un_arte_del_presente&id=601

http://www.culturamas.es/blog/2011/01/18/el-arte-del-performance/

http://www.alternativateatral.com/nota282-nociones-sobre-performance

http://digitum.um.es/xmlui/bitstream/10201/20023/1/V%C3%ADdeo%20arte%20y%20performance%20g%C3%A9nero,%20cuerpo%20y%20emancipaci%C3%B3n.pdf


 http://artesescenicas.uclm.es/index.php?sec=artis&id=32


 http://www.scielo.br/pdf/ha/v11n24/a10v1124.pdf

NUESTRA INSPIRACIÓN

   A continuación os exponemos unas fotografías, de las cuales sacamos nuestra idea del proyecto que os lo presnetaremos más adelante:

AUTORES DE PERFORMANCE ESPAÑOLES

En la evolución de la performance en España algunos de los autores más destacados por Bartolomé Ferrando son los siguientes:

• Joan Brossa (lo que el autor denominó accions espectacle).
• Juan Hidalgo, Walter Marchetti y Esther Ferrer (creación en julio de 1964 del grupo y de la práctica Zaj, construído y consolidado en 1967).
• Carles Santos (Sus acciones son cercanas al happening y la performance en muchos casos, se desenvuelven y desarrollan a caballo de los ejercicios teatral, plástico y poético).
• Llorenç Barber (coordinación tanto del Encuentro Ensems en sus orígenes como del Festival de la libre expresión sonora que dieron cabida e integraron la actividad de performers, tanto del país como extranjeros) y Fátima Miranda (precisión y dominio del ejercicio de la voz, ciertamente sorprendente, la relación que establece entre ésta y su propia gestualidad, creando un especial cruce interespecífico de signos, que invaden casi simultáneamente las áreas de lo irónico, lo serio, lo grotesco y lo nimio).
• Nacho Criado (sus performances encadenan etapas bien diferenciadas unas de otras, provistas de cadencias diferentes, y en la que el cuerpo del autor se involucra hasta el hecho de producirse una herida).
• Jordi Benito (El ritual, el sacrificio, el grito interno junto con la presencia de elementos simbólicos como la cruz).
• Pere Noguera (sus performance son de carácter plástico).
• Hac Mor coordinó junto con Xargay diversos Festivales de performances.
• Pedro Garhel (Esculturas vivas, Experiencia 3E, Variaciones 4,2,1 o La polaroid danza son los títulos de algunas de sus performances).
• Rosa Galindo (interacción de la luz con el cuerpo, la voz y el sonido estructuraban todo un conjunto de piezas).
• Albert Vidal (cercano al ejercicio teatral).
• Valentí Figueres (intervención urbana, la instalación y la acción).
• Rafael Santibáñez, Lucía Peiró, José Tarragó, Raúl Gálvez, Santi Barber o Nelo Vilar (Grupo A.N.C.A. destinado a la realización ininterrumpida de prácticas de performance e instalación).
• Caminantes de Ruedo, de Tejeda y Dates (sus acciones son un cruce entre el gesto y la vestimenta, y cuya práctica general gira en torno al movimiento-danza mínima, entre la cual se ha intercalado algún objeto preciso y concreto).

AMPLIACIÓN MAPA CONCEPTUAL

Añadimos al mapa que ya teniamos la evolución de la performance:

PREPARACIÓN DE UNA PERFORMANCE

Adjuntamos un video de una preparación de una performance dirigida por Frau Diamanda:

MÁS AUTORES DE PERFORMANCE

GUILLERMO GÓMEZ PEÑA

   El artista de performance Guillermo Gómez-Peña reside en San Francisco, donde se desempeña como director artístico de La Pocha Nostra. Nacido en 1955 y criado en la Ciudad de México, viajó a los Estados Unidos en el año 1978 para estudiar "Arte Post-studio" en Cal Arts.  Su trabajo es pionero en los géneros de performance, video, instalación, poesía, periodismo, teoría cultural y pedagogía radical explorando tópicos transculturales, inmigración, la política del lenguaje, la "cultura extrema" y las nuevas tecnologías. Desde hace 25 años Gómez Peña explora temas relacionados con el interculturalismo y la cultura de frontera a través de la utilización de géneros mixtos y lenguajes experimentales. Se encuentra continuamente desarrollando narrativas multicéntricas y proyectos de performance de gran escala que emprende desde la perspectiva de la frontera. En 1985 funda en San Diego- Tijuana el Border Arts Workshop.

Gómez-Peña crea aquello que los críticos denominan "Chicano ciber-punk  performance", y "arte ethno-techno". En sus obras, las fronteras culturales se han trasladado al centro, mientras que la supuesta "cultura dominante" es expulsada hacia los márgenes y tratada como exótica y extraña, posicionando a la audiencia como "extranjeros" o "minorías".  Gómez-Peña combina la estética experimental con la realidad social, el inglés con el español, el humor chicano con el activismo político creando una "experiencia totalizadora" para el lector/espectador. Estas estrategias pueden encontrarse en sus performances en vivo, en sus premiados videos-arte y en los ocho libros que ha publicado.

   Tras haber presentado este autor, queremos añadir un trabajo que el realizó para explicar a la gente que era realmente el arte de la performance. Este trabajo, él lo comenzó realizando la pregunta: ¿Podría definir el arte de la performance?
   A lo que le contestaron:
– (Yuppie gringo en un bar): "Un bonche de gente “rarita” que gusta de andar desnuda y gritar consignas izquierdistas sobre el escenario".
– (Un “buen” actor): "Los artistas de performance son… malos actores".
– (Político republicano): "¿Se refiere a esos liberales decadentes y elitistas que se ocultan detrás del “arte” para pedirle dinero al gobierno?".
– (Mi sobrino): "Es una onda muy… muy chida. Te hace… pensar y cagarte de la risa".
– (Artista de performance): "El performance es tanto la antítesis como el antídoto para la alta cultura".
– (Un amigo): "Te responderé con un chiste: ¿Qué obtienes cuando mezclas un cómico con un performero?… Un chiste que nadie entiende".

Guillermo Gómez Peña continua su estudio y termino su trabajo con el siguiente apartado:
Preguntas espinosas
A continuación presento algunas preguntas típicas, que me hacen los periodistas de la cultura dominante anglosajona…, seguidas por algunas respuestas igualmente “típicas” de un servidor:
Periodista: ¿Es el performance algo relativamente nuevo?
GP: No. Toda cultura tiene un espacio asignado para la renovación de la tradición y un espacio para el comportamiento contestatario y desviado. Aquellos que ocupan éste último gozan de ciertas libertades espaciales.
Periodista: ¿Puedes ampliar esta idea?
GP: En las culturas indígenas americanas por ejemplo, era el chamán, el coyote, el nanabush quienes tenían permiso para cruzar las peligrosas fronteras de los sueños, del género, la locura y la brujería. En la cultura occidental, este espacio liminal está ocupado por el arte del performance, el antihéroe contemporáneo por excelencia, el provocador aceptado. Sabemos que este lugar existe y nosotros simplemente lo ocupamos.
Periodista: No entiendo. ¿Cuál es entonces la función del arte del performance? ¿Acaso tiene alguna?
GP: (Pausa larga) Los artistas de performance somos un constante recordatorio para la sociedad de las posibilidades de otros comportamientos artísticos, políticos, sexuales y espirituales; y esto, debo decirlo con vehemencia, es una función extremadamente importante.
Periodista: ¿Por qué?
GP: Ayuda a otros a reconectarse con las zonas prohibidas de su psique y de sus cuerpos, y a reconocer las posibilidades de sus propias libertades. En este sentido, el arte del performance puede ser tan útil como la medicina, o la ingeniería; y los artistas de performance son tan necesarios como las enfermeras, los maestros de escuela, los sacerdotes, o los taxistas. La mayor parte del tiempo ni siquiera nosotros mismos somos conscientes de estas funciones.
Periodista: Lo que yo quiero saber es ¿qué ha hecho el arte del performance por usted?
GP: ¿Por mí? (Pausa larga.) Me ha ayudado a responder. Es una forma de luchar o de responder. También me ha ayudado a recuperar mi extraviado ser cívico, y a reunir las piezas de mi identidad fragmentada.
Periodista: Señor Comes Piña o Comes Penis (pronunciado en gringoñol), ¿piensa usted en esto todos los días, digamos a lo largo de todo el día?
GP: Claro que no. La mayor parte del tiempo sigo con mi vida cotidiana; escribo investigo, me emociono por un nuevo objeto de utilería o con un proyecto, pago mis deudas, me recupero de un resfriado, y espero ansioso una mágica llamada telefónica para ser invitado a presentar mi obra en una ciudad o país donde nunca he estado…
Periodista: Creo que no estoy siendo claro: ¿Lo que realmente quiero saber es que le ha enseñado a usted el arte del performance?
GP: Ah, usted quiere un soundbite (una frase hecha), ¿verdad?
Periodista: Si…
GP: Muy bien, déjeme pensar un momento… (pausa dramática). Ahí le va. Me auto-cito: “Cuando yo era más joven, el performance me enseñó a responderle a la autoridad. Últimamente me está enseñando a escuchar con todo cuidado a los demás… incluso a los pendejos.” Al igual que el performance, este texto está inconcluso, y seguirá cambiando de orden y estilo en los meses siguientes. Como un guerrero sin gloria,
apago mi computadora…

Continuará…

   Creemos que la idea que al final nos quiere dar Gómez Peña es que la performance tendrá unos puntos fijos que seguir pero al fin y al cabo depende mucho del artista, de los tiempos y que es un arte y va a ir evolucionando y que seguirá cambiando constantemente.

   Para que podais dar vuestras propias conclusiones os dejamos el enlace del texto completo:
http://www.scielo.br/pdf/ha/v11n24/a10v1124.pdf

PERFORMANCE Y GÉNERO A LA ORDEN DEL DÍA

   Adjuntamos a continuación una noticia del diario sur de Málaga donde al igual que nosotros, alumnos universitarios se han interesado por la violencia de género y han realizado una performance para denunciar contra ello.
   Este es el enlace de la noticia:
http://umalaga.diariosur.es/actualidad/2517-alumnos-denuncian-la-violencia-de-genero-con-una-performance.html

ENCUENTROS INTERNACIONALES DE ARTE Y GÉNERO

   Buscando información hemos averiguado que se celebran encuentros relacionados con el arte y el género y hemos encontrado el folleto del último encuentro internacional de arte y género. Creemos que es interesante compartirlo con vosotros:
 http://www.juntadeandalucia.es/cultura/caac/descargas/foll_ayg12.pdf

OTRA PERFORMANCE

Esta performance esta sacada de la película "Step up", la añadimos porque es fantástica:

MAPA CONCEPTUAL

   En el siguiente mapa conceptual podrá ver representada una defición de performance:

AUTORES DE PERFORMANCE DE GÉNERO

   1. CAROLEE SHNEEMANN

     Schneemann y sus participantes habían estrenado Meat Joy en el primer Festival de libre expresión en París en mayo de 1964. Otras dos performances habian seguido más tarde ese año en Londres y Nueva York. Un grupo de hombres y mujeres, despojados de su ropa interior, bailaron y se retorcieron uno con el otro en láminas de plástico, mientras frotaban pescado, pollo y salchichas, así como pintura, en sus cuerpos. La performance fue muy sensual; Hay aspectos incorporados como sentir, oler, oír, ver e incluso catar. El trabajo fue simultáneamente erótico, asqueroso, cómico, coreográfico y espontáneo. Meat Joy fue una celebración de la carne que desembocó en un ritual extático.

 

 

   2. MARTHA ROSLER

                                                 Semiotics of the Kitchen, 1964

     Semiótica de la cocina es una parodia feminista de vídeo y performance realizada en 1975 por Martha Rosler. El video, que dura seis minutos, se considera una crítica de las versiones de mercancía y de los roles tradicionales de las mujeres en la sociedad moderna. Con Rosler como cocinera en vivo, la cámara observa cómo se presenta una gran variedad de utensilios de mano de cocina, muchos de ellos anticuados o extraños, y, tras identificarlos, demuestra que son improductivos, y a veces, con usos de violencia. Utiliza una cámara estática y en gran medida un conjunto plano, permitiendo al espectador centrarse más en la performance de Rosler y añadiendo una calidad primitiva.
     Letra por letra, Rosler navega por el léxico culinario con un utensilio de cocina diferente para cada letra. Comienza con un delantal, que se ata a la cintura, y, con humor inexpresivo, viaja a través del alfabeto, hasta las últimas letras. En las letras, U, V, W, X, Y, Z, se prescinde de los utensilios y los gestos del cuerpo se convierten en un sistema señalético en sí mismos. La Z es la réplica de la marca del Zorro, una referencia cinematográfica, y al final de toda la obra el artista realiza un encogimiento de hombros, de alguna manera desactiva la lectura negativa de la parodia. El enfoque en la lingüística y las palabras es importante, ya que Rosler ha dirigido el vídeo para desafiar "el sistema familiar de significados domésticos del día a día –signos convencionales de la producción alimentaria y la industria doméstica.”
     Rosler, una reconocida feminista, comentó acerca de esta obra que “cuando la mujer habla, nombra su propia opresión.” La terminología simbólica de la cocina, la hipótesis, de la mujer que se transforma en una señal del sistema de producción de alimentos y de su subjetividad. Rosler “sustituye el sentido domesticado de los utensilios de cocina con un léxico de la rabia y la frustración.” La obra estaba destinada, como todos los primeros vídeos, a mostrarse en un monitor de televisión, y por lo tanto no es casualidad que algunos de los gestos representan un lanzamiento de los contenidos imaginarios de ciertos instrumentos "fuera de la caja" de la programación televisiva. No es la producción de alimentos en sí mismo el objetivo de Rosler, sino el papel de ama de casa feliz y de productora desinteresada adoptado por Rosler, esto es lo que el vídeo tiene la intención de poner en el centro de atención.

Hemos encontrado esta otra versión que nos parece interesante:

3. PIPILOTTI RIST
     En Ever Is Over All, una mujer joven en un vestido azul claro camina felizmente a lo largo de la calle con una flor tropical enorme, colorida, en su mano. Rist va rompiendo la flor en las ventanas de los coches aparcados por donde pasa. La combinación de la fantasía urbana violenta, de la música romántica, y del sonido destructivo sugiere el nacimiento de una lengua visual sofisticada, expresando los sentidos directos.

     La instalación de esta videoperformance envuelve a los espectadores en dos proyecciones a cámara lenta en paredes adyacentes. En una pared una cámara itinerante se centra en las flores rojas de un campo de exuberante vegetación. La visualización fascinante que crean estas imágenes armoniza con la proyección de la izquierda, que relata a una mujer en zapatillas Rubí brillantes caminando por la calle entre coches aparcados. La fluidez de ambas escenas se interrumpe cuando la mujer violentamente destroza una fila de parabrisas de coches con la flor que lleva en la mano. Cuando aparece el oficial de policía con sonrisas de aprobación de lo que está haciendo, se introduce una tensión cómica en esta escena caprichosa y anarquista.  

     En Ever is Over All, la artista yuxtapone el campo y sus flores con su potente varita mágica y transpone actos de agresión y aniquilación en actos benevolentes y creativos...

 

 

4. VANESSA BEECROFT
     La obra de Beecroft está muy vinculada al universo femenino, ejecuta normalmente sus performances con grupos de mujeres, desnudas o semidesnudas, que expresan un arquetipo de belleza similar. Que responde a patrones muy concretos y a ciertos rangos de edad. Una selección nada casual, con una vinculación con la propia artista. Normalmente utiliza modelos delgadas, que en ocasiones recuerda a la modelo de pasarela desposeídas de su función de percha. Privadas de cualquier elemento que pueda expresar su individualidad, uniformadas y homogeneizadas, permanecen atentas a las órdenes de Beecroft. Sin poder hablar, sin poder moverse de su emplazamiento, sin poder comunicarse con el público, un pequeño ejército femenino posa obediente. Como estáticas divinidades ensimismadas, alejadas de la realidad, ajenas a su entorno, ignorándolo pero interactuando inevitablemente con él con su presencia. 

      Las imágenes durante la performance, van cambiando. El tiempo ejerce de actor importante en las obras de Beecroft, desmontando el orden preestablecido. La artista juega con ello. Dicta las condiciones y permite que el cansancio de las modelos, producido por una larga e incómoda sesión, desmenuce y haga decaer la formación inicial. Las frías y artificiosas imágenes, terminan doblegadas, trasformadas en iconos más mundanos. Abatidas mujeres, aburridas, sin fuerzas, derrotadas, que miran al infinito y que terminan sentadas, en cuclillas o tumbadas